TESSERA de Maurizio Valch en Taller de Pintor | Serie STRATA

La superficie de TESSERA se despliega ante el espectador no como un mero plano pictórico, sino como una tablilla de arcilla primordial cocida al sol, un registro catastral prehistórico donde los tonos terracota, ocre y naranja encendido evocan la memoria geológica de un territorio domesticado. El lienzo está estructurado a partir de líneas incisas, profundas cicatrices físicas talladas directamente sobre el pigmento que delimitan terrazas, pendientes y parcelas, remitiendo a los primeros esfuerzos neolíticos por imponer un orden sobre la inmensidad informe de la tierra. Sobre estas incisiones, que no actúan como simples líneas de dibujo sino como heridas fundacionales que instauran el concepto de límite, se asientan pequeños bloques cuadrangulares, diminutas estructuras que asemejan fichas de un juego cósmico o viviendas mínimas suspendidas en la pendiente. Existe una tensión latente y sobrecogedora en esta geografía visual, un diálogo silencioso entre la inabarcable calidez del vacío anaranjado y la extrema fragilidad de esos cubos que intentan, casi con desesperación poética, colonizar y dar sentido al abismo cromático que los rodea.

Cuando hundo el punzón en la materia fresca, en ese acrílico y óleo templado que he ido acumulando capa tras capa sobre el soporte, no busco trazar una representación, sino consumar un acto de partición física. Siento la resistencia del pigmento como si fuera la costra misma de la tierra, un estrato que debe ser herido para revelar los tonos subyacentes y dar testimonio del paso del tiempo y de la mano que interviene. Mis manos y mi memoria evocan de manera inevitable la luz del Mediterráneo, esa incandescencia que conocí en los acantilados de Nerja y en las costas andaluzas, una claridad que no es una atmósfera externa que baña las cosas, sino un color que brota desde el interior de la arcilla cocida, una radiación mineral que late en el cuadro de forma autónoma. Al excavar la superficie del lienzo, cada incisión se convierte en una frontera física que yo mismo impongo para contener la inmensidad del plano y otorgar un precario punto de apoyo a esas pequeñas formas cúbicas. No pinto formas aisladas, sino que esculpo la distancia y la tensión que existe entre ellas, buscando una estructura geométrica elemental que sea capaz de resistir el vacío y sostener la mirada frente a la densidad de la materia.

Esta tensión entre la parcelación del plano y la inmensidad del color nos introduce de lleno en un estimulante debate filosófico y existencial sobre el espacio habitado. Por un lado, la disposición de estos pequeños bloques evoca la noción de temenos desarrollada por Carl Gustav Jung, el célebre psiquiatra suizo que analizó cómo la psique humana necesita trazar fronteras sagradas y recintos cerrados para proteger al sí-mismo del caos desintegrador del inconsciente colectivo. Bajo esta luz, cada pequeño cuadrado se revela como un refugio de la conciencia, un espacio de resistencia íntima frente a la marea ardiente del fondo. Sin embargo, al confrontar este arquetipo de protección con las observaciones del místico G. I. Gurdjieff, quien examinó con rigor el automatismo de la existencia humana y la mecanicidad con la que construimos nuestras seguridades cotidianas, la obra adquiere una dimensión más inquietante. Cabe preguntarse si esta meticulosa división del lienzo no representa la tendencia mecánica de la mente a fragmentar y clasificar la realidad para adormecerse en parcelas de seguridad ilusoria, o si, por el contrario, la difícil ubicación de cada bloque sobre la pendiente exige un esfuerzo consciente y un constante recuerdo de sí para no deslizarse hacia la disolución. La marcada diagonal que surca el centro del espacio actúa como una falla tectónica, un abismo o una vía de escape que divide el territorio y desafía la rigidez de las estructuras impuestas.

A menudo asisto a interpretaciones de mi obra que la sobrecargan de teorías psicológicas, metáforas cosmológicas o lecturas arqueológicas, pero en la soledad del taller el bloque es simplemente un bloque y la incisión es una hendidura física sobre el lienzo. No pretendo erigir templos ni codificar un lenguaje secreto de símbolos sagrados; me interesa el comportamiento real de la materia raspada, el relieve mínimo que proyecta una sombra verdadera sobre el plano naranja y la vibración del color cuando es perturbado por el metal. La escala de estos cuadrados no busca representar la pequeñez del ser humano ante el universo, sino experimentar con los límites del espacio pictórico, donde un centímetro de materia debe resistir el empuje visual de toda la masa cromática que lo rodea. Reivindico el derecho de la pintura a permanecer en un umbral de silencio y extrañeza, como un territorio físico anterior a la palabra, donde el verdadero sentido de la obra reside precisamente en el intervalo inocupado, en ese aire mudo que separa un bloque de otro y que no se deja traducir por ningún discurso conceptual.

Al regresar la mirada al lienzo de TESSERA, una vez despojado de toda especulación teórica, lo que subsiste es la pura vibración de su temperatura interna. El naranja de fondo no se comporta como un plano estático, sino que pulsa con una radiación sorda, casi geológica, como si el cuadro fuese una placa de hierro templado que retiene el calor acumulado durante horas. En el borde inferior, una sutil marca incisa apenas sugerida parece abrir el espacio hacia el exterior, indicando que este mapa de tensiones territoriales continúa expandiéndose mucho más allá de los límites físicos del bastidor. La pintura nos devuelve así a una contemplación poética y abierta, desprovista de conclusiones definitivas, suspendidos en el delicado equilibrio entre la necesidad humana de arraigo y la inevitable erosión del tiempo. Queda flotando en el espacio la intuición de que estas pequeñas marcas y bloques no representan posesiones definitivas, sino estaciones de tránsito, recordándonos que el verdadero sentido de habitar el mundo no se encuentra en la solidez del refugio cerrado, sino en la capacidad de sostenerse conscientemente sobre la pendiente del camino.

Referencias de contexto

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Sobre esta visualización

Esta visualización sitúa la obra dentro de un contexto arquitectónico para ayudar a coleccionistas y público a imaginar su presencia en un espacio real. Es una referencia interpretativa, no una reproducción exacta: la obra original es la única autoridad sobre la escala, el color, la superficie y la presencia material.