SIMULACRUM de Maurizio Valch | Pintura abstracta FACIES

La escala de SIMULACRUM impone una presencia que excede la mera representación de un rostro para erigirse como un accidente topográfico, un paisaje vertical que funciona como frontera física dentro del espacio de exhibición. La composición está tajantemente fragmentada por un eje vertical que desciende por el tabique nasal, dividiendo la superficie en dos regímenes térmicos y cromáticos opuestos: a la izquierda del lienzo se extienden verdes pálidos, ocres terrosos y sombras que evocan la degradación de la materia orgánica, mientras que a la derecha estalla una masa gélida dominada por el azul cobalto, el turquesa y el ultramar. Esta drástica asimetría desarticula de inmediato la noción clásica de la comunión entendida como armonía, reciprocidad o fusión pacífica entre dos partes complementarias. Aquí, el encuentro de estas dos realidades no busca la disolución de sus diferencias; por el contrario, la comunión se define en la pura insistencia de coexistir en el mismo soporte, obligando a que la mirada asimile la tensión irreconciliable de dos mitades que se tocan sin fundirse, revelando que todo rostro, antes de ser una unidad identitaria, es un territorio de confrontación material.

Al trazar la curvatura de estos dos globos oculares de escala casi tectónica, no busco capturar una psicología, sino establecer la escala de una confrontación física con el lienzo. En mi proceso, la profundidad nunca ha sido una simulación de la perspectiva clásica ni una ventana ficticia hacia una dimensión oculta detrás de la tela; para mí, es un hecho material, estrictamente sustractivo, que ejecuto de manera casi quirúrgica. Por ello, tracé esa fina incisión diagonal que rasga la mejilla izquierda de la figura, un surco deliberado donde el filo del metal hiere las capas superpuestas de pigmento denso para buscar de vuelta la trama del lino desnudo. Esa herida en el cuerpo de la pintura es la verdadera profundidad: no una ilusión de la mirada, sino la revelación de la piel real del soporte, un recordatorio físico de que debajo del simulacro del color existe un límite ciego, un estrato primario que respira y resiste a través de la cicatriz que le he impuesto.

La generosidad de esta pintura se manifiesta en la brutalidad de su entrega física, en la absoluta ausencia de reserva técnica o contención formal. Los empastes ásperos de óleo y acrílico se acumulan sin pulir, evidenciando las marcas del pincel y la espátula que recorren la tela con urgencia. El carmesí denso que bordea la parte superior de la frente y se derrama en los labios fracturados funciona como un marco visceral que contiene la mirada, mientras la pesada masa oscura del extremo inferior derecho estabiliza la composición mediante un peso visual casi geológico. No hay un intento de seducción decorativa en estos trazos; la generosidad reside precisamente en este desnudamiento, en la honestidad de presentar un simulacro que no oculta sus costuras, sus asimetrías ni la violencia de sus incisiones. Al exponer sus accidentes materiales y sus fallas de simetría, la obra ofrece un territorio libre de la tiranía de la belleza idealizada, convirtiendo la vulnerabilidad del lienzo en un espacio de acogida crudo pero incondicional.

Para un pintor cuya búsqueda se ha centrado históricamente en la sobriedad de los horizontes desiertos y la solidez de los monolitos abstractos, la irrupción de este rostro bajo el título de SIMULACRUM supuso una fractura en mi propio método. Me pregunto constantemente si esta efigie gigante actúa como un muro que obstruye el espacio o si, por el contrario, el simulacro de la máscara es el único terreno fértil donde la generosidad de una presencia compartida y la verdadera comunión con el otro son posibles. He aprendido que la identidad no es una verdad oculta bajo la superficie, sino una sucesión de capas construidas, un simulacro que habitamos para poder ser vistos; al pintar esta cara, no pretendo ilustrar un retrato de carácter, sino fundar un territorio de fricción visual. Mi intención es que el espectador no encuentre un espejo complaciente, sino una superficie densa y accidentada donde su propia mirada y la mía choquen inevitablemente en la materialidad del pigmento, transformando el cuadro en un umbral de confrontación pura.

Finalmente, los ojos colosales y fijos de SIMULACRUM operan una inversión de la dinámica espacial, devolviendo la mirada con tal fijeza que anulan cualquier posibilidad de distancia contemplativa o neutralidad por parte de quien se sitúa ante ellos. La pintura deja de ser un objeto pasivo de análisis para convertirse en un muro activo que interroga y divide el espacio. En este punto de convergencia, la profundidad física del tajo en la mejilla, la generosidad cromática de los empastes desbordados y la conflictiva comunión de sus dos mitades cromáticas integran una totalidad indisoluble. Esta obra demuestra de manera contundente que tras la superficie de lo que denominamos simulación o artificio no se esconde la nada, sino una densa sedimentación de tiempo de trabajo, materia acumulada y memoria plástica que aguarda, con gravedad monumental, el momento exacto de su desciframiento.

Referencias de contexto

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Sobre esta visualización

Esta visualización sitúa la obra dentro de un contexto arquitectónico para ayudar a coleccionistas y público a imaginar su presencia en un espacio real. Es una referencia interpretativa, no una reproducción exacta: la obra original es la única autoridad sobre la escala, el color, la superficie y la presencia material.