Pintura Abstracta SIGNUM de Maurizio Valch en Salón de Hormigón

Un abismo de azul índigo y ultramar se despliega con la densidad pesada de una noche geológica, interrumpido por la violencia silenciosa de cuatro incisiones blancas que atraviesan oblicuamente el lienzo. Estas líneas, lejos de ser meros trazos de división compositiva, funcionan como las primeras fronteras impuestas sobre un vacío indomable; representan el gesto fundacional de una cartografía que busca medir y domesticar un territorio caótico e inabarcable. Sobre estas precarias repisas de tiza se asientan cuatro bloques de un rojo carmesí denso y saturado, dispuestos como puestos de avanzada, señales de tráfico o los primeros asentamientos humanos aferrados a una ladera que amenaza constantemente con desmoronarse. No nos enfrentamos a una abstracción estéril, sino al registro físico de una lucha entre la inmensidad informe del espacio y la voluntad obstinada de dejar un vestigio, un signum que ordene la caída.

Cuando me enfrento al bastidor, no busco representar un paisaje, sino encarnar la tensión bruta de la geografía que me habita. El azul no es un color plano, sino una masa acumulada por capas de óleo y acrílico, un océano vertical que me exige una respuesta física antes de que su inmensidad me devore por completo. Sentí la urgencia de marcar ese espacio, de raspar el plano para hacer surgir el blanco del lienzo que yacía sepultado debajo; esa línea herida no es un dibujo amable, sino una cicatriz infligida a la superficie para forzar una dirección allí donde solo existía la deriva. Al desgarrar la pintura, obligo al espectador —y a mí mismo— a reconocer un límite, una coordenada rudimentaria que detiene la inercia del azul y establece una mínima posibilidad de gravedad, una repisa donde el ojo pueda, al menos por un instante, descansar del abismo.

Esta ordenación del caos suscita tensiones que trascienden el mero formalismo plástico y nos sumergen en una profunda disputa sobre la conciencia. Desde la perspectiva de Carl Gustav Jung, el pionero de la psicología analítica que exploró las tensiones entre el orden psíquico y el caos inconsciente, estas líneas divisorias y sus bloques podrían interpretarse como la emergencia de un arquetipo de Orden, un mandala lineal diseñado para salvar a la psique de disolverse en el abismo del inconsciente colectivo representado por el azul. Sin embargo, esta aparente voluntad de ascenso se resquebraja bajo la mirada de G. I. Gurdjieff, el místico que denunció el automatismo de la existencia humana, quien vería en estas directrices blancas un circuito cerrado, una vía de tren invisible que condena a los bloques rojos a un desplazamiento puramente mecánico y dormido, donde la ilusión de escalar la pendiente oculta una parálisis sistemática. A esta tensión se suma la advertencia del pensador Osho, impulsor de una filosofía de la vitalidad y la liberación individual, quien señalaría la contradicción fundamental de este rojo encarnado, símbolo de la sangre, el fuego y la celebración de la vida, que ha sido constreñido y domesticado en formas cuadrangulares tan rígidas; el impulso vital se ve obligado a hacer equilibrio sobre el cable tenso de la norma social, perdiendo su vibración salvaje para convertirse en un mero hito fronterizo.

Al aplicar el carmesí con la espátula, busco precisamente que esa aparente rigidez geométrica se fracture de cerca. No pretendo la exactitud matemática de un plano; la densidad del empaste revela la presión temblorosa de mi mano, los bordes deshilachados que muerden el azul y se resisten a la disciplina impuesta por la línea blanca. Cada uno de estos cuatro bloques rojos es una presencia precaria que está aprendiendo a sostenerse sobre un terreno hostil, un cuerpo denso que arrastra sus propias imperfecciones y que parece deslizarse o afirmarse según el ángulo desde el que se le mire. Al trabajar el óleo sobre el acrílico húmedo, asumo el riesgo del deslizamiento, la posibilidad de que la materia ceda y caiga; es en esa vulnerabilidad del borde, donde el carmesí se mezcla sutilmente con el fondo oscuro, donde reside la verdadera memoria del proceso físico, la evidencia de que todo orden es un equilibrio inestable sostenido a duras penas sobre el vacío.

Desprovisto de marco y apoyado directamente sobre el suelo gris, el lienzo renuncia a la ilusión de ser una ventana a otra dimensión para imponerse como una presencia física real que comparte nuestra gravedad. Al situarse a la altura de nuestros pasos, la inmensidad del azul y la precariedad de las líneas blancas ya no pertenecen a un plano contemplativo, sino a la misma superficie que pisamos, transformando la pintura en un objeto-territorio. Esta proximidad física con la textura del suelo de hormigón intensifica la tensión del signum: el lienzo se convierte en un espejo de nuestra propia marcha, donde nosotros también somos esos bloques rojos que buscan un asidero en la pendiente de la existencia. En esta confrontación directa, desnudada de adornos, la pintura nos obliga a sostener la mirada frente al abismo, recordándonos que el acto de medir y habitar el mundo es, ante todo, una insistencia silenciosa ante la inminencia de la caída.

Referencias de contexto

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Sobre esta visualización

Esta visualización sitúa la obra dentro de un contexto arquitectónico para ayudar a coleccionistas y público a imaginar su presencia en un espacio real. Es una referencia interpretativa, no una reproducción exacta: la obra original es la única autoridad sobre la escala, el color, la superficie y la presencia material.