QUIES de Maurizio Valch en interior de pared texturada

QUIES se organiza como un campo vertical atravesado por estratos horizontales que no terminan de asentarse. En la parte superior domina una masa oscura, casi negruzca, de materia espesa y barrida, bajo la cual aparecen tierras apagadas, verdes velados, grises cálidos y zonas de una palidez turbia. Las bandas se superponen sin convertirse en franjas limpias: sus bordes se deshilachan, se cargan de pintura, se interrumpen o se inclinan levemente. Varias líneas claras, finas e irregulares recorren esa disposición como incisiones sobre una superficie que ya había sufrido desplazamientos. En el centro, una franja pálida abre una distancia amplia, menos afirmativa que suspendida; más abajo, hacia la izquierda, un pequeño bloque verde oscuro se instala con una densidad distinta, mientras una forma blanca aislada persiste cerca del extremo superior derecho. La maravilla aparece aquí sin brillo expansivo: está en la reducción de esas presencias, en su capacidad de alterar un territorio vasto sin dominarlo. El desamparo no proviene de una ausencia total, sino de la imposibilidad de encontrar una orientación estable entre capas que parecen haber sido depositadas y retiradas a la vez. Y la permanencia no equivale a firmeza: se advierte en aquello que sigue ahí pese a la erosión, al roce, a la incertidumbre de los límites.

Trabajo para que una forma no quede fijada como una pieza colocada sobre una superficie inmóvil. Necesito que parezca haber llegado tarde a la pintura, cuando el campo ya ha sido cubierto, rascado, oscurecido y vuelto a abrir. No busco conservar una imagen intacta; intento que algo permanezca mientras el resto continúa moviéndose alrededor. Cuando extiendo una banda, cuando la cubro con otra capa o dejo que el color anterior asome por una grieta, pienso en una duración que no puede separarse de su desgaste. Me interesa que la materia tenga peso, pero que ese peso no garantice apoyo. Puedo dejar una zona clara en medio de los tonos terrosos y oscuros sin convertirla en descanso; también puedo sostener un pequeño verde o una mancha blanca sin darles un lugar seguro. Quiero que permanezcan por insistencia, no por protección. La pintura, para mí, tiene que admitir que toda forma está expuesta a ser absorbida, borrada o desplazada, y que precisamente por eso su permanencia nunca es neutra.

La relación entre la presencia blanca de arriba y el bloque verde situado más abajo organiza una tensión discreta pero decisiva. La primera aparece pequeña, estrecha, casi adherida al límite entre la oscuridad superior y la banda terrosa que sigue; su blancura no se expande, se concentra. El bloque verde, en cambio, se afirma dentro de la zona pálida central, aunque tampoco llega a ocuparla: queda rodeado por una extensión grisácea y velada que lo vuelve vulnerable. Entre ambos hay una distancia considerable, formada por capas de color, trazos oblicuos, franjas alteradas y líneas que sugieren separaciones sin asegurar una dirección. No hay garantía de comunicación entre las dos formas. Una parece mantenerse en el borde alto, la otra cerca de un umbral inferior; una es casi una señal mínima, la otra un cuerpo compacto pero reducido. La maravilla puede surgir de esa falta de vínculo seguro: cada presencia parece sola, pero su sola aparición modifica el peso de todo lo demás. El blanco vuelve más densa la oscuridad que lo rodea; el verde hace que la franja pálida deje de ser una mera pausa y se convierta en un espacio de exposición. La pintura no ofrece un recorrido conclusivo entre ambos puntos, sino una extensión atravesada por la posibilidad de que algo resista sin llegar a reunirse con lo que le corresponde.

No entiendo las líneas claras como contornos que ordenan del todo lo que ocurre. Las hago aparecer como marcas que atraviesan las bandas, a veces con continuidad, a veces quebradas, como si la pintura hubiera conservado el rastro de una presión o de un corte sin conservar su causa. No quiero que la superficie quede intacta, porque una superficie intacta puede ocultar demasiado bien su propia fragilidad. Prefiero que los bordes cedan, que las capas se rocen y que las separaciones se vuelvan visibles sin transformarse en fronteras firmes. Para mí, el desamparo no necesita dramatismo: está en no disponer de un suelo definitivo, en no saber si una forma pertenece realmente a la banda donde aparece o si está a punto de desprenderse de ella. Sin embargo, no abandono esas formas a la desaparición. Las dejo en relación con los estratos, con las grietas y con los cambios de densidad, para que puedan permanecer de otro modo. Permanezco atento a ese instante en que una línea apenas sostiene una diferencia, cuando un borde no protege pero todavía impide que todo se confunda.

Así, la obra no se presenta como un paisaje reconocible ni como un sistema de signos que deba resolverse, aunque la sucesión de bandas sugiera terreno, distancia, horizonte o sedimento. Lo que importa es la manera en que cada estrato conserva la huella de una acción y, al mismo tiempo, pierde nitidez bajo el siguiente. Las líneas incisas separan, pero también enlazan; la franja pálida abre espacio, pero no ofrece refugio; el bloque verde y la forma blanca persisten, aunque sus posiciones no les conceden dominio sobre el conjunto. En esa economía de materia, color y desplazamiento, maravilla, desamparo y permanencia dejan de ser nombres aislados. La maravilla queda contenida en un blanco mínimo o en la obstinación de un verde oscuro; el desamparo se vuelve la condición de permanecer sin suelo asegurado; la permanencia adquiere el aspecto de una materia frágil, erosionada, apenas sostenida por los bordes que la atraviesan. QUIES mantiene esas fuerzas en suspensión: no las reconcilia, pero permite que, entre separación y presencia, algo siga estando.

Referencias de contexto

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Sobre esta visualización

Esta visualización sitúa la obra dentro de un contexto arquitectónico para ayudar a coleccionistas y público a imaginar su presencia en un espacio real. Es una referencia interpretativa, no una reproducción exacta: la obra original es la única autoridad sobre la escala, el color, la superficie y la presencia material.