La mitad de la mirada - Maurizio Valch | Serie FACIES

En La mitad de la mirada, el lienzo de noventa por ciento diez centímetros se convierte en un umbral donde la representación humana queda hendida por un eje vertical implacable. En la mitad izquierda, una oscuridad densa y nocturna se expande a través de pinceladas concéntricas y empastadas que registran el peso físico de la materia pictórica. En la mitad derecha, la superficie se resuelve en un tono ocre y terroso, plano y severo, que evoca la textura de la piedra erosionada por el viento o del cuero curtido por la intemperie. Esta división tajante del rostro establece una tensión dialéctica entre lo visible y lo oculto que dialoga estrechamente con el pensamiento de Carl Gustav Jung, cuyo desarrollo de la psicología analítica permite comprender la obra como la representación de la pugna entre la Persona —la máscara socialmente construida— y la Sombra —aquel estrato reprimido, informe y caótico que subyace en la psique—. El cuadro no busca resolver esta dualidad, sino forzar la coexistencia de ambos estados dentro de una misma estructura ósea, donde la planicie del ocre contiene la turbulencia del negro.

Cuando me enfrento al lienzo en la serie FACIES, no busco reproducir los rasgos de un sujeto concreto ni elaborar una psicología del retrato, sino ejecutar una excavación material sobre el soporte. El acto decisivo en mi taller ocurre al raspar la superficie fresca, abriendo surcos con incisiones blancas y afiladas que penetran la materia para revelar las capas subyacentes. Estas líneas no son elementos de dibujo tradicionales; son cortes físicos, cicatrices cartográficas que delimitan el contorno de unos ojos desorbitados y una boca agrietada, fijando una presencia que parece preexistir al cuadro mismo. Al intervenir la pintura de este modo, el rostro emerge no como una invención figurativa de la modernidad, sino como un vestigio mineral que brota del propio territorio, similar a una marca paleolítica grabada en la piedra de una cueva que resiste al desgaste del tiempo y reclama su derecho a la permanencia.

Esa mirada desmesurada, trazada mediante incisiones que exponen el blanco原 del soporte, interroga directamente al observador sobre el automatismo de su propia percepción. Al contemplar estos ojos fijos y desproporcionados, surge una fricción inevitable con las ideas de G. I. Gurdjieff, un influyente pensador que postuló que el ser humano corriente vive en un estado de sueño despierto y mecanicidad constante; bajo esta premisa, la mirada fragmentada de la obra actúa como el destello de una consciencia dividida que intenta recordar de sí misma en medio de su propio letargo. A este diagnóstico de la alienación se suma el contrapunto de Osho, un filósofo indio que defendía la integración de la espontaneidad y la aceptación de la propia naturaleza interna frente a las imposiciones represivas del orden exterior. Desde esta perspectiva, la mitad oscura del rostro deja de ser una amenaza para revelarse como la verdadera fuerza vital reprimida, aquella que el aparato social intenta domesticar y petrificar bajo la superficie inmóvil, ocre y aparentemente ordenada de la otra mitad.

Mi estancia en la costa andaluza, bajo la luz implacable y el rigor mineral de Nerja, transformó profundamente mi relación con la materia, permitiendo que la sequedad de esa tierra caliza penetrara en mi paleta de colores. En este rostro respira la herencia formal de los pueblos antiguos del Mediterráneo, el hieratismo de las esculturas íberas y la solemnidad de las máscaras etruscas, civilizaciones que entendían la efigie como un límite de paso entre lo vivo y lo inerte. Al pintar La mitad de la mirada, asumo la sospecha de que la identidad individual nunca es una sola pieza compacta, sino un territorio fracturado, una ruina prehistórica que, paradójicamente, funciona como un espejo de las fragmentaciones de nuestro propio tiempo. Lo que queda en el lienzo es el testimonio de esa sequedad, un rostro que se quiebra para mostrar que existir consiste en sostener las fisuras de nuestra propia historia.

La materialidad de la obra culmina en la observación detallada de sus bordes, donde la boca agrietada, definida por los límites afilados de la incisión, parece contener un silencio ancestral. La vibración que emana de la frontera donde se encuentran el ocre plano y el negro empastado evidencia que el lienzo no busca conciliar las dos mitades, sino mantener viva la tensión de su separación. Acercarse a esta superficie no conduce a la resolución de un enigma visual, sino a la confrontación con un vacío que nos devuelve la pregunta. Al final, contemplar "La mitad de la mirada" es aceptar el desafío de sostener la mirada de un ídolo mudo, obligándonos a habitar de manera indefinida la grieta que separa lo que mostramos en la luz de aquello que callamos en la sombra.

Referencias de contexto

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Sobre esta visualización

Esta visualización sitúa la obra dentro de un contexto arquitectónico para ayudar a coleccionistas y público a imaginar su presencia en un espacio real. Es una referencia interpretativa, no una reproducción exacta: la obra original es la única autoridad sobre la escala, el color, la superficie y la presencia material.