FISSURA de Maurizio Valch sobre pared de hormigon brutalista

Saturado de una gravedad antigua, el gran plano carmesí que domina la tela se presenta no como una mera superficie pintada, sino como un tejido orgánico que late bajo su propio peso sedimentado. Antes de que el ojo intente descifrar una narrativa, es la densidad del color —un rojo profundo, casi coagulado, evocador de costras y tierras arcillosas— la que asalta la percepción. Sobre esta llanura cromática, las finas hendiduras horizontales que cruzan el espacio no funcionan como trazos superpuestos, sino como auténticas incisiones físicas que exponen una vibración interior largamente contenida. Es aquí donde se manifiesta el territorio del DESEO: un impulso elemental que araña la superficie, una agitación silenciosa pero obstinada que necesita quebrar la aparente uniformidad del plano para testificar que debajo de la calma aparente late una corriente hirviente, ansiosa por encontrar un resquicio de luz.

Sostengo el instrumento de corte con una rigidez que roza el ruego, sabiendo que el filo que desplazo sobre el óleo acumulado durante semanas no admite arrepentimientos; cada incisión es un viaje sustractivo e irreversible donde el MIEDO se instala físicamente en el temblor de mi muñeca. Un solo desvío de la mano, una presión excesiva, y la delicada tensión del plano se rompería de forma destructiva, arruinando la estratigrafía de un lienzo que ha respirado el aire del taller durante meses. En esta vigilia, esos pequeños bloques suspendidos en la llanura roja —el rectángulo azul turquesa enmarcado en un carmín incandescente, el leve testigo carmesí a la derecha y el bloque oscuro que ancla la composición en la zona inferior— surgen como aduanas de mi propia psique; son puestos de control y contención diseñados para vigilar la herida, límites que coloco con urgencia para evitar que el plano entero se desmorone y el color se derrame sin orden ni sentido sobre el vacío del lienzo.

Detrás de esta aparente quietud geométrica, la síncopa visual que proponen los bloques suspendidos altera cualquier expectativa de simetría y revela una geografía en constante deformación. El bloque de azul turquesa, cercado por su frontera de rojo encendido, opera como una exclamación cromática que resuena con una vibración helada y eléctrica, un contraste violento contra la sobriedad del lecho carmesí que lo circunda. Las líneas incisas que suben y bajan con sutiles oscilaciones no son decorativas; funcionan como las costuras de un territorio sometido a presiones tectónicas opuestas, donde el MIEDO a la fractura definitiva y el DESEO de que una nueva dimensión emerja a través de la brecha coexisten en un equilibrio precario. La pintura se revela así como una membrana viva y bajo tensión, una superficie donde los elementos formales se buscan mutuamente pero permanecen suspendidos e interrumpidos por cicatrices que impiden el contacto definitivo.

Al dar por terminado el trabajo y contemplar el plano desde la distancia del taller, comprendo que el verdadero sentido de la obra se revela solo cuando depongo las armas del control y me rindo a la ENTREGA. Me doy cuenta de que la fisura no es una imperfección ni un accidente que deba ser reparado, sino el único conducto por el cual la pintura respira y se comunica con el exterior; el color rojo, lejos de quedar confinado al plano frontal, se prolonga de manera continua sobre los tres centímetros de espesor de los cantos del bastidor, desbordando el límite tridimensional del cuadro para reclamar el espacio de la sala. Pintar, asumo ahora, no es gobernar de manera absoluta la materia, sino aprender a retirarse en el momento justo, permitiendo que la incisión se convierta en una orilla táctil donde mis intenciones se disuelven y el lienzo pasa a pertenecer a las leyes azarosas de la luz ambiental y la mirada ajena.

Frente a la imponente escala de 120 x 80 cm, la confrontación original entre las fuerzas del control y la vulnerabilidad se disuelve para dar paso a una presencia física y arquitectónica de una quietud reconciliada. Al alejarse de FISSURA, el espectador comprende que la herida expuesta en el lienzo ya no simboliza una agresión o una pérdida, sino el umbral de una transformación necesaria donde la rigidez del plano cede ante la flexibilidad de la experiencia. La obra de Maurizio Valch nos recuerda que la verdadera hondura de la existencia no se protege detrás de murallas cromáticas impenetrables, sino que se revela cuando cesa la resistencia defensiva ante el vacío; la cicatriz, lejos de dividir el espacio, se convierte en el puente definitivo que sutura la distancia entre la obra, el espacio que la acoge y la mirada que finalmente la completa.

Referencias de contexto

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Sobre esta visualización

Esta visualización sitúa la obra dentro de un contexto arquitectónico para ayudar a coleccionistas y público a imaginar su presencia en un espacio real. Es una referencia interpretativa, no una reproducción exacta: la obra original es la única autoridad sobre la escala, el color, la superficie y la presencia material.