CUTIS de Maurizio Valch en salón tipo loft

En la escala monumental de CUTIS, el espacio queda inmediatamente reorganizado por una presencia bidimensional de dos metros y medio de ancho que se impone con la severidad de una pared de carga. Dos inmensos ojos azules, de una simetría rota, dominan el plano horizontal. Una severa línea vertical divide el rostro, no como un elemento meramente compositivo, sino como una juntura tectónica que articula dos mitades de una misma superficie expuesta. Al carecer de pabellones auriculares u otros órganos de percepción acústica exterior, el rostro completo asume una función receptora. Se convierte en una membrana puramente somática y táctil que ejerce una forma de escucha silenciosa y espacial. No es el oído el que registra el entorno, sino la totalidad de esta piel pictórica que parece absorber la gravedad, las corrientes de aire y el vacío de la arquitectura que la rodea, devolviendo al observador una mirada fija que registra su presencia sin juzgarla ni interpelarla.

Al transitar de mis anteriores paisajes y monolitos abstractos a la configuración de esta faz-territorio en CUTIS, no busqué representar una identidad, sino excavar en la materia hasta hallar su temperatura interna. Trabajé la superficie del lienzo con la intención de insuflarle un calor estrictamente orgánico, casi sanguíneo, que contrastara con la rigidez del soporte. A través de la superposición sistemática de veladuras de óleo, tierras de siena y la fricción violenta pero de trazo controlado de la espátula, fui construyendo una densidad que imita la textura curtida de la dermis vegetal o animal. Este calor de la arcilla y el lodo acumulado en las mejillas se sostiene en tensión constante frente a la frialdad mineral de los ojos azules y el grosor del negro de carbón que delimita los contornos; es una vibración térmica nacida del roce material, donde la pintura deja de ser color para volverse temperatura acumulada bajo la tela.

El orden compositivo de este gran rostro es interrumpido de manera drástica por una anomalía visual: una incisión turquesa y celeste que desciende verticalmente sobre la mejilla izquierda. Este gesto sustractivo, que corta la densidad de las capas de óleo terroso, introduce la dimensión del abandono. Aquí, el abandono no se manifiesta como una derrota emocional o una melancolía figurativa, sino como un desapego constructivo, una renuncia consciente a la integridad estéril de la máscara. Al rasgar la mejilla con ese pigmento frío y discordante, la pintura abandona su pretensión de mímesis perfecta y simetría hermética. El corte revela que el rostro es, en realidad, una acumulación de estratos temporales; una corteza herida pero estructuralmente resistente que expone su vulnerabilidad interna para ganar, precisamente a través de esa grieta, su verdadera consistencia física.

Existe un instante preciso en el taller en el que el formato de estas dimensiones me exige dar un paso atrás y asumir el abandono definitivo de mi intervención sobre él. Desprenderse de una obra como CUTIS implica aceptar que su autonomía ya no depende de mi gesto, sino de su propia resistencia en el espacio. En este desprendimiento, la pintura activa su propia capacidad de escucha. Al apoyarse contra el suelo o fijarse a un muro extraño, el cuadro comienza a reaccionar de manera independiente: absorbe las variaciones térmicas de la luz del día, se altera con el polvo suspendido y dialoga con el paso del tiempo de forma ajena a mí. Yo ya no soy el ejecutor de su orden, sino un testigo más que observa cómo esa superficie masiva se asienta en su nuevo entorno, respondiendo con un mutismo sólido a los ruidos y corrientes de la habitación que ahora habita de manera soberana.

En última instancia, CUTIS opera como una síntesis de fuerzas donde el calor de la materia orgánica, el abandono de la simetría mediante la incisión y la persistente actitud de escucha de su mirada dividida se funden en una sola experiencia espacial. La pintura renuncia a la mera representación de una fisonomía para consolidarse como una "orilla táctil": un límite físico donde el espectador no se enfrenta a un concepto intelectualizado, sino a la fricción directa con la materia pictórica cruda. Al eliminar todo artificio retórico, Maurizio Valch nos sitúa ante un cuerpo vertical que resiste, una presencia que no busca complacer ni explicar nada, sino permanecer suspendida e imperturbable, recordándonos la densa y silenciosa materialidad de la que estamos hechos.

Referencias de contexto

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Sobre esta visualización

Esta visualización sitúa la obra dentro de un contexto arquitectónico para ayudar a coleccionistas y público a imaginar su presencia en un espacio real. Es una referencia interpretativa, no una reproducción exacta: la obra original es la única autoridad sobre la escala, el color, la superficie y la presencia material.