CLIVUS de Maurizio Valch en Perspectiva de Taller

Una pendiente abrupta fragmenta el lienzo en una colisión de masas donde la gravedad ordena la materia. Un azul denso, nocturno y pesado, corta el espacio, aprisionado por laderas de óxidos y rojos encendidos que se desploman y ascienden. El clivus, esa inclinación física de la composición, se manifiesta como una tensión constante que exige esfuerzo. Esta estratificación evoca las ideas de Carl Gustav Jung, el psiquiatra que investigó las estructuras profundas de la psique, al plantearnos si estas divisiones representan laderas del plano consciente sosteniéndose sobre el abismo del inconsciente colectivo. El bloque azul no es un vacío; es una fuerza divisoria del territorio interior.

Al realizar las delgadas incisiones celestes y rojas en el acrílico y el óleo, no busco trazar un dibujo superpuesto, sino registrar una marca arcaica sobre la materia. Cada línea es una cicatriz que delimita las laderas. En este proceso resuena mi memoria del Mediterráneo, donde la tierra se corta abruptamente ante el mar, enseñándome que el límite es una geografía de resistencia. Los rectángulos que habitan estas pendientes no son casas ni monolitos, sino unidades de presencia que ensayan una precaria estabilidad sobre un terreno inclinado, desafiando el deslizamiento inminente.

La inestabilidad de estos bloques suspendidos dialoga con el pensamiento de George Gurdjieff, místico que cuestionó el automatismo humano y propuso el "recuerdo de sí" como un despertar. Frente a la comodidad de la superficie horizontal, que adormece la percepción en la inercia, la tensión de la pendiente exige atención. Estas geometrías representan la dificultad de mantener la presencia en un entorno que empuja hacia el fondo rojo inferior. El dinamismo visual de los desniveles obliga al ojo a realizar un trabajo activo de ascenso y descenso, desafiando toda contemplación pasiva.

Rechazo las interpretaciones que reducen mi paleta a un código psicológico donde el azul sea tristeza o el rojo peligro. El azul ultramar y el rojo carmesí actúan en el lienzo como fuerzas físicas, masas de energía que chocan y se presionan mutuamente. Con una altura de 130 centímetros, la escala de la obra convierte su verticalidad en un umbral que el espectador debe medir con su propio cuerpo. No hay mensajes ocultos tras estas formas; busco la estructura esencial del plano y lo que ocurre al obligar a una forma a habitar al borde del deslizamiento.

Estas geometrías estables entran en conflicto con la agitación del fondo, una dialéctica que remite a las reflexiones de Osho, el filósofo que exploró la tensión entre las estructuras rígidas de la sociedad y la libertad orgánica de la vida. Los rectángulos que delimitan el espacio parecen diques racionales frente a la fluidez de las laderas y la vibración cromática. Queda la duda de si estas formas intentan domesticar el paisaje o si constituyen refugios de meditación en mitad de la colisión tectónica, dejando que la línea y la inmensidad del color se sostengan en una vibración permanente.

Referencias de contexto

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Sobre esta visualización

Esta visualización sitúa la obra dentro de un contexto arquitectónico para ayudar a coleccionistas y público a imaginar su presencia en un espacio real. Es una referencia interpretativa, no una reproducción exacta: la obra original es la única autoridad sobre la escala, el color, la superficie y la presencia material.