Cuadro Gran Formato TESSERA - Maurizio Valch en Sala de Reuniones

El imponente campo cromático de TESSERA se despliega ante la mirada como una superficie encendida donde los tonos tierras, ocres y naranjas no operan como meros pigmentos, sino como agentes de una densa sedimentación material. Esta obra de gran formato rehúye la representación pasiva del paisaje para erigirse en una cartografía física de la memoria europea, evocando la aridez descarnada del suelo mediterráneo y la penumbra original de cavidades paleolíticas como Nerja o Altamira. Sobre este territorio cromático, las finas incisiones que surcan la superficie de manera predominantemente horizontal no funcionan como adornos compositivos, sino como la huella de un impulso primario: el gesto físico de hendir la materia para delimitar, registrar o fijar un vestigio en el transcurso del tiempo. Estas líneas divisorias plantean de inmediato una interrogante que desborda la mera abstracción formal: ¿nos hallamos ante la representación de una geografía exterior y erosionada, o contemplamos más bien el plano expuesto de una estructura psíquica arquetípica estructurada por el propio devenir de la historia?

Cuando hundo la aguja en la materia aún fresca del óleo y el acrílico sobre el lienzo de TESSERA, no busco ilustrar una idea, sino registrar la resistencia de la propia pintura. En mi proceso, realizar la incisión es un acto de desentierro; la herramienta corta el estrato superior y revela los sedimentos de color que subyacen latentes en el soporte, permitiendo que la luz interna de la obra emerja desde su propia profundidad física. Esos pequeños bloques cuadrangulares, de apariencia monolítica y textura concentrada que he asentado sobre las líneas incisas, no son símbolos de un código hermético, sino refugios mínimos, marcas de un asentamiento humano arcaico que intenta arraigarse en el suelo del Mediterráneo. Desconfío profundamente de las lecturas que pretenden encasillar mi trabajo en una simbología clausurada o en explicaciones psicológicas rígidas; para mí, pintar no es traducir un mensaje, sino consolidar una presencia táctil y autónoma, un territorio de óleo y lienzo que simplemente resiste al desgaste del tiempo y a la prisa del observador.

La disposición de estos bloques cuadrangulares y las líneas que los sostienen establece un complejo campo de tensiones interpretativas. Por un lado, desde la perspectiva de Carl Gustav Jung —quien propuso la existencia de un inconsciente colectivo habitado por arquetipos que trascienden la experiencia individual—, se podría argumentar que esta retícula rústica de parcelas y límites representa el esfuerzo de la psique por organizar el caos de lo informe, proyectando una suerte de mandala primigenio que surge directamente de la materia ocre. Por otro lado, la mirada severa de G. I. Gurdjieff —el místico que cuestionó el automatismo y el sueño de la conciencia humana, sugiriendo que la verdadera presencia exige un despertar de la mecanicidad— nos obliga a cuestionar si este afán de parcelar y estructurar el espacio no es sino el reflejo de una conciencia dormida, que necesita delimitar y automatizar su entorno para guarecerse de la inmensidad. El debate queda así suspendido en la obra: ¿esta geometría incisa protege la experiencia humana dándole un orden habitable, o la condena a una repetición monótona y estéril dentro de límites autoimpuestos?

Para mí, la intensa vibración del ocre y el naranja que domina el lienzo es una respuesta directa a la memoria lumínica del sur de España, una región donde la luz no solo ilumina, sino que devora las formas y consolida el silencio. Al trabajar en TESSERA, busco que el color actúe como una temperatura física y una atmósfera densa, suspendida en un tiempo que parece anterior y posterior a la presencia del hombre. Las "tesseras" o fragmentos que voy tallando y definiendo en la superficie son trabajados como quien levanta una linde o un muro de piedra seca en un terreno baldío; un esfuerzo físico ejecutado bajo la tensión constante entre la voluntad de construir una estructura duradera y la plena conciencia de que la erosión inevitable del entorno terminará por asimilar toda huella humana de regreso a la tierra. No aspiro a la perfección de la línea pura, sino al rastro del desgaste y de la insistencia humana sobre la superficie del mundo.

Al final, frente a la imponente materialidad de TESSERA, las explicaciones racionales ceden su lugar a la confrontación directa con el lienzo. Si acudimos al pensamiento de James Hillman —el psicólogo arquetípico que propuso devolver las imágenes a su dimensión poética y geográfica, liberándolas de explicaciones clínicas—, entendemos que la obra no debe ser descifrada como un enigma intelectual, sino habitada en su condición de umbral. La verdadera potencia de esta pintura, con sus cortes crudos y sus bloques suspendidos en el campo ocre, no radica en ofrecer un consuelo paliativo o un refugio conceptual, sino en sabotear la mirada automática y apresurada del espectador contemporáneo. TESSERA nos detiene bruscamente ante la pura vibración de la materia y la herida de una linde trazada a mano, exigiéndonos un instante de absoluta, silenciosa y despierta atención ante el misterio físico de la presencia.

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Sobre esta visualización

Esta visualización sitúa la obra dentro de un contexto arquitectónico para ayudar a coleccionistas y público a imaginar su presencia en un espacio real. Es una referencia interpretativa, no una reproducción exacta: la obra original es la única autoridad sobre la escala, el color, la superficie y la presencia material.